Искусство доколумбовой америки. художественные достижения и архитектура народов доколумбовой америки

Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)

Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.

Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.

Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).

Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.

Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».

Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г. Музей д’Орсе, Париж

Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.

Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.

Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.

Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.

На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.

Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.

Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.

Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.

Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон

Тонализм, как и близкий ему импрессионизм, в середине 19 века публику тоже не впечатлял. Слишком далеко от популярного на тот момент реализма.

Но Уистлер успеет дождаться признания. Под конец жизни его работы начнут охотно покупать.

Музыка

В создании музыкального фольклора США участвовали многие народы мира.
Важную роль в становлении национального фольклора страны сыграло африканское музыкальное искусство. 

Другим важным источником формирования национального музыкального фольклора было песенное богатство английского, шотландского и ирландского народов, привезенное в Америку первыми поселенцами.
К началу XVIII в. церковные ограничения на светскую музыку ослабли. С усилением иммиграции из Европы среди колонистов получили распространение европейские инструменты.- скрипка, клавесин, гитара, флейта, кларнет. В середине XVIII в. в ряде городов, в церквах были установлены органы. Приезжие труппы ставили музыкальные спектакли, исполняли оратории.
В 1768 г. в г. Чарлстоне было создано первое в США музыкальное общество, которое организовывало концерты с участием профессиональных артистов-музыкантов.
В XIX в. в крупнейших городах возникли концертные и хоровые объединения. В 1820 г. в Филадельфии начало работать музыкальное общество, а в 1842 г. в Нью-Йорке — филармоническое общество, одно из старейших филармонических обществ мира, существующее и поныне.
Появились первые музыкальные учебные заведения. Большинство музыкантов и педагогов были выходцами из Европы, утверждавшими на американской почве европейские, главным образом немецкие, музыкальные традиции.
Со второй половины XIX в. усилился приток европейских музыкантов. В городах были организованы симфонические оркестры, хоровые коллективы. В 1883 г. в Нью-Йорке открылся постоянный оперный театр «Метрополитен-опера».
Современная композиторская школа США отличается большой пестротой творческих течений — от умеренного академизма до крайностей авангардистского модернистского экспериментаторства.
К числу самых ярких представителей «музыкального американизма» относится талантливый композитор Джордж Гершвин , творчество которого очень многим обязано африканскому искусству и порожденному им джазу.
В США имеются превосходные оркестры и талантливые дирижеры. К числу лучших симфонических оркестров страны относятся Бостонский, Нью-Йоркский и Филадельфийский. Во главе этих коллективов стояли крупнейшие дирижеры Шарль Мюнш, Юджин Орманди, Леопольд Стоковский, Леонард Бернстайн.
Музыкальная жизнь США в значительной степени связана с деятельностью иностранных гастролеров-дирижеров, пианистов, скрипачей, певцов и т.д. Нью-Иоркский оперный театр «Метрополитен-опера» по составу певцов-гастролеров принадлежит к числу лучших в мире.
Лучшие консерватории США «Джульярдская музыкальная школа» в Нью-Йорке и «Малкин-консерватория» в Бостоне.

Аргентина

Аргентинцы — самая рефлексирующая нация в Латинской Америке.

Литературная традиция, сформированная такими писателями, как Борхес и Кортасар, молниеносно снискала международное признание — в подтверждение, что классическая литература рождается из страдания.

Литературный элемент является определяющим и для некоторых аргентинских современных художников. Леон Феррари (León Ferrari), один из основоположников концептуального искусства Аргентины, в начале 60-х создает серию работ «Написанные картины» (Cuadros escritos) и «Написанные рисунки» (Dibujos escritos), в которых исследует связь между словом и линией.

Феррари — художник с активной политической позицией: его сын Ариэль стал одной из жертв военного режима Аргентины. Имя Ариэля Феррари значится в списке тридцати тысяч пропавших без вести аргентинцев. К этой теме Леон Феррари возвращается в своей выставке в Tate We Did Not Know: в бесчисленном количестве газетных вырезок, начиная с 1976 года, мелькает информация о тысячах пропавших без вести — страшное напоминание для тех, кто впал в беспамятство после того, как Аргентина отвоевала свою демократию в 1983 году.

По другую сторону от Леона Феррари на художественной карте Аргентины мы находим Марту Минухин (Marta Minujín), королеву латиноамериканского поп-арта, кича и подружку Энди Уорхола. Ее первая заметная работа — хеппенинг «Разрушение» (Destruction) — заключалась в том, что Марта в компании своего партнера разрубила и сожгла все работы, сделанные ею за три года.

Вместе с Уорхолом Минухин создала серию фотографий, в которой она возвращает внешний долг Аргентины перед США кукурузными початками — национальным золотом страны.

Marta Minujin, Andy Warhol

По возвращению в Буэнос-Айрес Марта занялась масштабными проектами, такими как инсталляция La Menesunda — с аргентинского испанского это слово можно перевести как «смущающая ситуация». Инсталляция состояла из шестнадцати комнат, соединенных коридорами, в которых иногда полностью отсутствовал свет. Публика была неотъемлемой частью шоу, служа эмоциональным индикатором придуманных Минухин ситуаций.

Cooper Hewitt Museum

Музей Купера-Хьюитта — одна из девятнадцати институций, организованных под крылом Смитсоновского института. Он специализируется не только на современном, но и историческом дизайне, что вполне объяснимо, учитывая его основание еще в 1890-х годах по подобию Музея декоративного искусства в Париже. За прошедшие годы он стал больше, чем просто учебным музеем для будущих дизайнеров и декораторов.

Среди главных экспонатов в коллекции из нескольких сотен предметов — кресло Авраама Линкольна, предметы из Фонтенбло и даже советский агитфарфор. Еще был роллс-ройс группы The Beatles, но музей решил продать его и выручил более $2 млн на развитие.

Музей дизайна неоднократно переезжал и не так давно открылся после реновации в особняке предпринимателя и филантропа Эндрю Карнеги на 5-й авеню. Теперь он оснащен всевозможными мультимедийными новшествами, в том числе волшебной ручкой, с помощью которой можно сделать свою подборку экспонатов и узнать про них решительно всё, а также иммерсивной комнатой, на стены которой можно «наклеить» любые обои из музейного собрания. Здесь также проводятся временные выставки, которые могут быть связаны с конкретным предметом мебели, направлением в дизайне или же персоной.

Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)

Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк

В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.

Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.

Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.

Эндрю Уайет. Мир Кристины. 1948 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.

Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.

Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.

Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.

Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.

Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция

Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.

Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.

Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.

Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.

Колониальный период.

Первая группа портретов, исполненных в технике масляной живописи, датируется второй половиной 17 в.; в это время жизнь переселенцев протекала относительно спокойно, быт стабилизировался и появились возможности для занятий искусством. Из этих работ наиболее известен портрет Миссис Фрик с дочерью Мэри (1671–1674, Массачусетс, Музей искусств в Уорстере), написанный неизвестным английским художником. К 1730-м годам в городах восточного побережья уже было несколько художников, работавших в более современной и реалистической манере: Генриетта Джонстон в Чарльстоне (1705), Юстус Энгльхардт Кюн в Аннаполисе (1708), Густав Хесселиус в Филадельфии (1712), Джон Уотсон в Перт-Эмбой в Нью Джерси (1714), Питер Пелэм (1726) и Джон Смайберт (1728) в Бостоне. Живопись двух последних оказала существенное влияние на творчество Джона Синглтона Копли (1738–1815), который считается первым крупным американским художником. По гравюрам из коллекции Пелэма молодой Копли получил представление об английском парадном портрете и живописи Годфри Неллера, ведущего английского мастера, работавшего в этом жанре в начале 18 в. В картине Мальчик с белкой (1765, Бостон, Музей изящных искусств) Копли создал замечательный реалистический портрет, нежный и удивительно точный в передаче фактуры предметов. Когда в 1765 Копли отправил эту работу в Лондон, Джошуа Рейнолдс посоветовал ему продолжить учебу в Англии. Однако Копли оставался в Америке до 1774 и продолжал писать портреты, тщательно прорабатывая в них все детали и нюансы. Затем он предпринял путешествие в Европу и в 1775 поселился в Лондоне; в его стиле появились манерность и черты идеализации, свойственные английской живописи этого времени. Среди лучших произведений, созданных Копли в Англии, – большие парадные портреты, напоминающие работы Бенджамина Уэста, в том числе картина Брук Уотсон и акула (1778, Бостон, Музей изящных искусств).

Бенджамин Уэст (1738–1820) родился в Пенсильвании; написав несколько портретов жителей Филадельфии, он переехал в Лондон в 1763. Здесь он приобрел известность как исторический живописец. Образцом его работы в этом жанре может служить картина Смерть генерала Вулфа (1770, Оттава, Национальная галерея Канады). В 1792 Уэст сменил Рейнолдса на посту президента Британской Королевской академии художеств.

См. также СОЕДИНЕННЫЕ ШТАТЫ АМЕРИКИ.

Куба

Плодородная кубинская почва произвела на свет не только знаменитых революционеров и диктаторов, но и огромное количество отличных художников, которым, живя в эмиграции, приходилось создавать собственный язык и придумывать новые фигуры визуального нарратива. Приверженец кубического сюрреализма Вифредо Лам (Wifredo Lam) считается классиком кубинского искусства. Однако современное (в контексте contemporary, а не modern) искусство Кубы принадлежит совсем не живописцам.

Одна из самых провокационных художниц латиноамериканской арт-сцены, кубинка Ана Мендьета (Ana Mendieta), стала ключевым представителем кубинского искусства за пределами страны. В 12-летнем возрасте Мендьета с сестрой были высланы в США: их отец вступил в контрреволюционные войска против режима Кастро и позже провел 18 лет в тюрьме для политических заключенных. Ану вскоре удочерили приемные американские родители, но разрыв с семьей, а также насилие, ритуальные обряды и связь с собственным телом станут основополагающими элементами в ее творчестве. Через перформансы, фотографии и видео, Ана утверждала свое тело, как мощный инструмент воздействия на публику.

В нем художница пригласила всех студентов и профессоров к ней домой в установленный час. Как только зрители переступили порог ее дома, они нашли обнаженное тело художницы, покрытое кровью и привязанное к гостиному столику. Мендьета тщательно разузнала детали убийства у полиции и в точности воспроизвела их в своем перформансе. Зрителям ничего не оставалось, кроме того, чтобы присесть вокруг и начать обсуждать происходящее. В такой позе Мендьета провела около часа.

Ana Mendieta, Untitled (Rape Scene)Ana Mendieta, Untitled (Rape Scene)

В том же году Мендьета сделала другой проект, в котором также в качестве материала использовала кровь. В Untitled (People Looking at Blood, Moffitt), или «Без названия» («Люди смотрят на кровь, Моффитт») тротуар на улице перед домом художницы был покрыт кровью животных таким образом, чтобы казалось, что она вытекает из-под двери Мендьеты. Ана спряталась на обратной стороне улицы, снимая на камеру Super 8 реакцию проходящих мимо людей.

Искусство древней Америки

Р.Кинжалов

Американские континенты были заселены человеком сравнительно поздно. По данным антропологии, археологии и этнографии, первые поселенцы пересекли Берингов пролив и обосновались на территории приарктических областей Северной Америки около 25— 20 тысяч лет тому назад. Отправной точкой их странствий была северо-восточная Азия; этим и объясняется антропологическое родство американских индейцев с представителями монгольской расы. Первобытные насельники Америки к моменту своего появления на материке жили в условиях древнекаменного века — палеолита. Кочевая охотничья жизнь привела к образованию малых, изолированных друг от друга племен. Различные географические зоны американских континентов породили у этих племен различные уклады хозяйственной жизни, а следовательно, и виды культуры. В то время как у индейцев севера и крайнего юга Америки основным занятием так и остались охота и собирание дикорастущих злаков (а для жителей приморских областей — развитое рыболовство), племена и народности среднего пояса с умеренным и жарким климатом перешли от охоты к земледелию, представлявшему более надежный и постоянный источник питания. Основным возделываемым злаком была кукуруза, имевшая местом своего происхождения именно американские континенты.

Из этих земледельческих племен наивысшего этапа социально-экономического развития достигли индейские народности Центральной Америки и северной части Южной Америки. У них было развитое земледелие с искусственным орошением, производилась обработка металлов (кроме железа), была чрезвычайно богатая и своеобразная культура и искусство. Развитие социальных отношений у этих народностей привело к образованию у них раннеклассового общества во главе со знатью и жречеством, эксплуатировавшими рядовых земледельцев.

В Центральной Америке наиболее значительные в культурно-историческом отношении области находились на территории центральной и южной Мексики (племена и народности тольтеков, миштеков, астеков, ольмеков, тотонаков и сапотеков), Юкатана, Гватемалы и Гондураса (маня). В Южной Америке центры развитой культуры образовались на территории Колумбии (чибча-муиска), Перу, Эквадора, Боливии и северной части Чили (племена мочика, аймара и кечуа). Уже в первом тысячелетии до нашей эры на этой территории имелись поселения оседлых земледельцев, занимавшихся разведением кукурузы, бобов и овощей. Для приготовления тканей ими возделывался хлопок и различные сорта агавы. Высокого уровня достигло и производство изделий из керамики.

Карта. Древняя Америка

В дальнейшем пути развития культуры народов Центральной и Южной Америки разделились. Это различие уже начинает намечаться приблизительно к первому тысячелетию до нашей эры, а к 1 в. н. э. памятники художественного ремесла и искусства позволяют уже говорить об определенных стилях, сформированных жизненной практикой того или иного племени. Различия эти, естественно, ярче всего видны в памятниках живописи, скульптуры и прикладного искусства, но они настолько характерны, что исследователь с первого взгляда может определить, какой народности принадлежит тот или другой памятник.

Джон Констебл (1776-1837 гг.)

Рамсей Рейнагль. Портрет Джона Констебля. 1799 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Несмотря на аристократическую внешность, Констебль был сыном мельника. И любил работать руками. Умел пахать, строить изгороди и рыбачить. Может быть, поэтому его пейзажи лишены пафоса. Они естественны и реалистичны.

До него художники писали абстрактные пейзажи, чаще итальянские. Но Констебль писал конкретную местность. Реально существующую речку, коттедж и деревья.

Джон Констебль. Телега для сена. 1821 г. Национальная лондонская галерея

Его «Телега для сена» – самый знаменитый английский пейзаж. Именно эта работу когда-то увидела французская публика на Парижской выставке 1824 года.

Особенно были впечатлены молодые импрессионисты. Которые разглядели в этой картине то, к чему сами стремились. Никакой академической помпезности. Никаких античных развалин и эффектных закатов. А лишь обыденная жизнь в сельской местности. Красивая в своей естественности.

После этой выставки Констебль продал в Париже аж 20 своих картин. В родной же Англии его пейзажи почти не покупали.

Но в отличие от Гейнсборо, ради заработка он редко переключался на портреты. Продолжая совершенствоваться именно в пейзажной живописи.

Для этого он изучал природные явления с научной точки зрения. И умел подбирать оттенки очень близкие к тем, что встречаются в природе. Особенно ему удавалось небо, контрасты светлых и темных облаков.

Джон Констебль. Кафедральный собор Солсбери. Вид из епископского сада. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк

Но Констебль знаменит не только удивительно реалистичными картинами. Но и своими этюдами.

Художник создавал этюд того же размера, что и будущая картина. Работая прямо на открытом воздухе. Это было ноу-хау. И именно этот метод работы потом и подхватят импрессионисты.

Джон Констебл. Лодка и штормовое небо. 1824-1828 гг. Королевская Коллекция живописи, Лондон

Но Констебль по этим этюдам часто писал завершённые работы в студии. Хотя они больше нравились тогдашней публики, были они не такими живыми и полными движения, как наброски.

На Родине осознали величие Констебля лишь в 20 веке. И поныне он – один из самых любимых художников в Англии. Можно сказать, что с таким же трепетом русские относятся к Ивану Шишкину.

Война за независимость и начало 19 в.

В отличие от Копли и Уэста, которые навсегда остались в Лондоне, портретист Джилберт Стюарт (1755–1828) в 1792 вернулся в Америку, сделав карьеру в Лондоне и Дублине. Вскоре он стал ведущим мастером этого жанра в молодой республике; Стюарт написал портреты почти всех выдающихся политических и общественных деятелей Америки. Его работы исполнены в живой, свободной, эскизной манере, сильно отличающейся от стиля американских работ Копли.

Бенджамин Уэст охотно принимал в свою лондонскую мастерскую молодых американских художников; среди его учеников были Чарльз Уилсон Пил (1741–1827) и Сэмюэл Ф.Б.Морзе (1791–1872). Пил стал основателем династии живописцев и семейного художественного предприятия в Филадельфии. Он писал портреты, занимался научными исследованиями и открыл Музей естественной истории и живописи в Филадельфии (1786). Из его семнадцати детей многие стали художниками и естествоиспытателями. Морзе, более известный как изобретатель телеграфа, написал несколько прекрасных портретов и одну из наиболее грандиозных картин во всей американской живописи – Галерея Лувра. На этой работе с потрясающей точностью воспроизведены в миниатюре около 37 холстов. Это произведение, как и вся деятельность Морзе, имело целью познакомить молодую нацию с великой европейской культурой.

Вашингтон Олстон (1779–1843) был одним из первых американских художников, отдавших дань романтизму; во время своих длительных путешествий по Европе он писал морские штормы, поэтические итальянские сценки и сентиментальные портреты.

В начале 19 в. открылись первые американские академии художеств, дававшие студентам профессиональную подготовку и принимавшие самое непосредственное участие в организации выставок: Пенсильванская академия художеств в Филадельфии (1805) и Национальная академия рисунка в Нью-Йорке (1825), первым президентом которой был С.Р.Морзе. В 1820–1830-е годы Джон Трамбалл (1756–1843) и Джон Вандерлин (1775–1852) написали огромные композиции на сюжеты из американской истории, украсившие стены ротонды Капитолия в Вашингтоне.

В 1830-e годы пейзаж стал господствующим жанром американской живописи. Томас Коул (1801–1848) писал девственную природу севера (шт. Нью-Йорк). Он утверждал, что обветренные горы и яркий осенний лес – более подходящие сюжеты для американских художников, чем живописные европейские руины. Коул написал также несколько пейзажей, проникнутых этико-религиозным смыслом; среди них четыре больших картины Жизненный путь (1842, Вашингтон, Национальная галерея) – аллегорические композиции, на которых изображена спускающаяся по реке лодка, в которой сидит мальчик, затем юноша, затем мужчина и наконец старик. Многие пейзажисты последовали примеру Коула и изображали в своих работах виды американской природы; их часто объединяют в одну группу под названием «школа реки Гудзон» (что не соответствует действительности, так как они работали по всей стране и писали в разной стилистике).

Из американских жанристов наиболее известны Уильям Сидни Маунт (1807–1868), писавший сцены из жизни фермеров Лонг-Айленда, и Джордж Калеб Бинхэм (1811–1879), картины которого посвящены жизни рыбаков с берегов Миссури и выборам в маленьких провинциальных городках.

Перед Гражданской войной самым популярным художником был Фредерик Эдвин Чёрч (1826–1900), ученик Коула. Он писал работы в основном крупного формата и использовал подчас слишком натуралистические мотивы, чтобы привлечь и ошеломить публику. Чёрч путешествовал по самым экзотическим и опасным местам, собирая материал для изображения южноамериканских вулканов и айсбергов северных морей; одно из его самых известных произведений – картина Ниагарский водопад (1857, Вашингтон, галерея Коркоран).

В 1860-е годы огромные полотна Альберта Бирштадта (1830–1902) вызывали всеобщее восхищение красотой изображенных на них Скалистых гор, с их чистыми озерами, лесами и башнеподобными пиками.